La camara pobre

http://www.palermo.edu/dyc/opendc/opendc2011_1/06.pdf

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Curso de Cine Experimental

CURSO DE CINE EXPERIMENTAL EN TOMA 8
Telefono 4981 1619

El avance de las nuevas tecnologías y sus tendencias, forman un pensamiento restringido que pone de manifiesto las reglas y regulaciones impuestas por el mercado de la imagen. Hay una clonación en esta forma de realizar audiovisuales, fragmentando los medios de la exploración de la imagen: el mercado promociona cámaras nuevas y seis meses más tarde esa misma cámara ya es vieja, y solo por propaganda se estimula su descarte, su utilidad. Actualmente, el súper 8 (fílmico), llego más lejos de ser un simple formato de cine hogareño, que según las exigencias de la industria, es utilizado tan solo para crear imágenes de remembranza, solo por que el celuloide ha envejecido: se ve “antiguo”. La resignificación del formato y sus posibilidades expresivas en diversos autores, ponen en evidencia, que la creatividad y la personalidad del artista están por sobre estas imposiciones ideológicas. Lo primitivo es primordial.

Información básica:

La duración del curso consta de 8 clases de 3 horas, con 15 minutos de intervalo. En total durante 2 meses.

No se requieren requisitos previos para participar del taller y puede ser un acercamiento al cine experimental para artistas de otras disciplinas con interés en el desarrollo de la experimentación audiovisual.

Objetivos generales:

Que el estudiante entienda la importancia de un espacio en donde se asuma la libertad necesaria para adoptar una postura frente al manejo del lenguaje audiovisual y las herramientas con que se construye este, para expandir sus posibilidades expresivas. Este espacio estará completamente desprejuiciado en cuanto a las normativas del cine convencional. El conocimiento de estos instrumentos forjará una mentalidad de exploración sobre los cursos y recursos de una puesta en escena innovadora. Esto también ayudara a promover los valores internos en la búsqueda de la inspiración artística.

Tratamiento de la cursada:

Formas de pensar la relación entre el objeto a filmar y la cámara. Proyección de película experimental en 16mm. Sobre las vanguardias: Del Avant-garde al cine underground. Del cine experimental al video arte. Material virgen para intervención. Puesta en común sobre los autores experimentales: Guy Maddin, Bill Morrison, Stan Brakhage, Jordan Belson. Estéticas vs. Contenidos. Cine experimental argentino: Claudio Caldini, Narcisa Hirsch, Vallereggio. Revisión general sobre algunos aspectos resaltantes de las obras. Proyección de película experimental en Súper 8. Presentación de algunas herramientas más comunes del cine experimental. Diferencias entre el pensamiento digital y el análogo. Cámara de Súper 8. Ventajas y desventajas. Cámara de 16 mm, rendimiento. Animación, algunos autores más destacados y sus técnicas. Diferentes métodos para impregnar imágenes sobre el fílmico. Charla con laboratorista de súper 8. El Sonido experimental. Utilización de los diferentes elementos sonoros y su relación con la percepción espacial. Armado de una película entre todos los estudiantes. Utilización de todas las herramientas revisadas durante el curso.

Ernesto Baca

Realizador.

Los pibes de la UP. 3 de mayo 2011.

Fue muy intensa la práctica del martes pasado. Estaba corriendo de un estudio a otro, pero valio la pena. Aprendimos a hacer una puesta de tres puntos, a laburar en una rutina de puesta de luces. Tenemos que empezar a mover los fierros, empezar a coorer las luces y ver que pasa. A como crear climas con las luces. Afortunadamente hay muchos equipos para labuarar por lo que pudimos formar tres grupos y trabajar de forma independiente. Yo iba chequeando el desarrollo de cada puesta durante la clase. Tambien los chicos trajeron sus propias cmaras de fotos y pudimos comparar varios trabajos entre si.

En el primer grupo, Giorgis, obserbando la escena antes de iluminar

de modelo tenemos a Carreras.

El segundo grupo, es el mas numeroso. Celeste posando para las luces.

Las chicas de la publi se junatron con el grupo 3 en otro estudio de Palermo TV.

 

LUX TAAL desde un posible oriente

Sobre la cualidad intrínseca de la proyección de imágenes movimiento, reposan los mundos concretos desde hace ya rato, aquellos a lo que la cámara siempre les fue siempre fiel, la reproducción de la realidad tal cual se la ve, nadie duda de lo que ve la cámara es igual o lo que ve el ojo. Nuestra experiencia de lo cotidiano nos hace llevar al cine a ciertos terrenos de lo más reduccionista: un cine hecho por seres condicionados solo da como resultado un cine condicionado. En contraste con esta concretitud que la mayoría del cine hace alarde, el cine de Claudio Caldini marca una clara dirección, una ruptura al enclave narrativo tradicional, ese que alguna vez es desprendido por la novela, de un relato de acciones de la representación teatral. Uno se encuentra con otra lógica al abordar sus películas, por que estas, se encuentran mas allá de nuestra experiencia de lo cotidiano, nos trasladan a ciertos tiempos en donde uno puede moverse mas rápido, donde la cámara nos muestra mas allá de la velocidad en que se reproduce la normal realidad, en la velocidad que la mente tarda en formar una imagen en el cerebro, y mas aun, en la velocidad en que el espíritu se desprende del cuerpo. Los ojos captan esto como subiendo y bajando los parpados en lapsos, la proyección de estos fragmentos únicos reproducidos por la cámara. Ajustando nuestra percepción sobre lo espiritual, es que uno puede percibir en un mismo momento, tres o mas lugares diferentes, podemos ir más allá de estos limitados cuerpos. Esto exige que el espectador, dé de si mismo una cuidada predisposición, ya que uno tiene que derrumbar sus propios límites en su construcción como espectador pasivo, uno debe derrumbar el muro de los prejuicios con los que es educado cuando uno se dispone a ver una película. Pero al hacerlo, de seguro que entramos así en un dialogo con la luz, como si el gesto lumínico nos atravesara, estados concientes que podrían acercarse a completar el verdadero significado de la palabra libertad. De esta forma, la tecnología produce un efecto liberador (en sanscrito a este tipo de maquinaria se la denomina “yantra”). Un yantra es una llave que abre una brecha perceptual del espacio tiempo y hace que estos se diluyan, se usa para la meditación principalmente,. Todo esto es cierta advertencia tacita que se resuelve al empezar la película, por que uno debe resolverse en prepararse en esta experiencia, así, la efectividad del movimiento ejecutado por las imágenes puede quedar plasmada dentro de la infinita melosidad del asombro.

Entonces tendríamos que ver esta película por estos dos campos energéticos que se muestran, un mapa con dos fuerzas que se contraponen y que al trasponerse entre ellos van configurando una nueva forma. Una forma infinita o inconcebible. Incapaz de ser atrapada por la mente. Esta es la mecánica con la cual la película trabaja, esa oposición entre la oscuridad y la forma. Tama es oscuridad y rupa es forma, no hay forma sin luz. La luz esta asociada directamente a la forma. Ahora vayamos a lo ontológico del titulo.

Lux Taal es una palabra combinada, que podríamos definir como un transito o un posible camino. Una conexión entre la expresión verbal entre dos culturas. En griego Lux se refiere a una fuente iluminada y Taal en sanscrito se refiere a los intervalos temporales. Este transito es otra clave de la película, los disparos de luces son alternativos, marcan un ritmo. Las formas se componen desde lo oscuro hacia la luz. O de la luz a lo oscuro, tal vez como el recorrido que la luz hace en la rotación de un planeta. El ojo va incorporando estos destellos producidos sobre la oscuridad, componiendo formas vividas. Emplear nuestro propio tiempo para entrar y salir de todas estas imágenes, algún tipo de libertad en donde nuestra capacidad entra en juego, asumirla significa desprenderse del ego que carga los momentos cotidianos de ansiedad, el egoísmo que produce concretitud, que de a poco es expulsado al acoplar el ritmo propuesto por el autor. Una vez montadas estas imágenes/transporte dentro lo secuencial en la proyección, no hay forma de decir si el tiempo es crono o lógico, los algoritmos nos provocan sensaciones en donde una cierta musicalidad de imágenes nos contiene. Según la concepción vedica del tiempo, se dice que este tiene forma de espiral, y si vemos el proceder de la maquinaria con la que Caldini reproduce esta realidad, el dibujo o mándala que traza su película entrando y saliendo por diferentes proyectores, nos hace pensar en la posibilidad de que esto fuera así.

Sin exagerar podríamos estar en presencia de una percepción de cierta meditación. El kala chakra o el tiempo eterno es un órgano universal completo que puede ser percibido, si dirigimos cuidadosamente nuestra atención en estos destellos luminosos. Tal como los preceptos de la música hindú: la percepción del tiempo lineal o tiempo material es una consecuencia del egoísmo, el propósito del arte es de liberarse de este, para absorberse totalmente dentro de la elíptica trazada por universo, y en este caso el de Lux Taal.

La pictórica composición de cuadros, nos pone siempre a mostrar el borde de la universalidad de lugares, en donde solo puede reconocerse espacios de la naturaleza, del verde, del bosque, de lo mágico, lo ancestral, lugares que ocultan misterios, enigmas. ¿Y como genera estos enigmas?: su recortes nos magnifica el fuera de campo, y mas aun, cuando de a poco estos momentos se superponen entre si. La sobreimpresión de las imágenes nos da una mezcla única hecha sobre el mismo soporte, sobre el mismo lienzo en donde extiende sus colores de gamas profundas, nos reflejan una posible segunda naturaleza, como si algo estuviera detrás silenciosamente hablándonos, expresando sus formas, sus movimientos internos, la expresión de lo que parece quieto. La combinación de colores sobre un mismo campo nos revela combinaciones al natural, sus mezclas conforman nuevas cromancias sustractivas. Si estas imágenes son posibles en el campo de la física, por que no habría de serlo en los campos más sutiles de la percepción, en el campo de la mente o del espíritu. Es ciertamente el bosque (vana), el escenario de los diálogos, un lugar misterioso que nadie conoce en profundidad. Como espectador, allí quedan nuestros ojos, en los ecos de esos momentos fugaces, irrecuperables transformaciones del tiempo. Estas imágenes que en su forma de ser proyectadas, nos señala el mismo misterio de origen, por que en el origen esta la causa. ¿Podríamos llamar a esto poesía? Seria más agradable verlo desde allí: como los encantos lumínicos fluctúan en un recuadro sobre la oscuridad.

Punto de vista existente y resistente. En una época, no muy lejana, los tempranos teóricos hablaban de que el videoarte se había comido al cine experimental. A juzgar por hoy, podemos ver que estos argumentos eran solo el reflejo de una industria de la imagen en crecimiento, la del video, solo una polaridad de la tecnocracia mercantilista. El video arte ha canalizado sus lívidos en el diseño grafico mientras que ahora las cámaras de ultima generación de video emulan todas y cada una de las funciones de la cámara de cine (hasta muchas tienen obturador variable). En ese sentido vemos como hay un cierto encadenamiento a la forma instituida por los fabricantes de maquinas para hacer imágenes, y que condicionan a la así llamada evolución de la imagen, pero solo por la tiranía que los fabricantes de cámaras les imponen al modo de uso de las cámaras. Los muy pocos que han sabido traspasar estos “manuales de uso” de la industria de la imagen “descartable”, son los que con sus bases sólidas en afirmaciones le dan una nueva vuelta evolutiva al cine, a ver: el principio es la fotografía, el film, y luego la sucesión de una imagen detrás de otra. Esto repercute en la forma de utilizar las herramientas al momento de emplearlas para generar imágenes, en como uno reflexiona sobre las tecnologías. Caldini ha sacado provecho de esto pues es conocedor y conocedor de este campo. El cine no puede ser algo estático, el cine es movimiento desde sus orígenes. Y me atrevo a agregar: un movimiento en espiral. La reducción de este movimiento, solo puede ponernos a merced de pensar el cine desde un lugar bastante transitado y hasta embotado. Que dicho sea de paso: ir a ver cine a los shopings hoy, es como comer comida masticada.

MUSICA para ASTRONAUTAS en el Cosmos

Estuvimos haciendo las multiproyecciones de Super 8,  los 4 viernes de Enero del 2011, pisando las 22hs , en el reinagurado Cosmos UBA. Esperemos repetir la experiencia pronto en otros lugares. Con el notable ensamble musical de Ariel Chase y Marcelo Mamany, que le pusieron toda la mejor vibra al evento. Gracias a todos por participar. Ahora en Febrero seguimos con la version digital, que tambien tiene lo suyo, pueden ir y comparar.

Música para astronautas por Paulo Pécora

Todos los viernes de ENERO. 22hs en el CINE COSMOS

Corrientes 2046

Entrada. 15 pesos.

Descuento a jubilados y estudiantes.

Cine del más allá.
por Paulo Pécora.

Experimental, artesanal, independiente, autoral o, sencillamente, un cine del más allá.

Llámenlo como gusten, pero en los rincones secretos del escenario audiovisual argentino existe y se desarrolla silenciosamente una corriente de valiosas individualidades cuyo denominador común es la investigación y la práctica libre y desprejuiciada de ciertas posibilidades olvidadas del séptimo arte.

De manera paradójica, el lugar marginal que ocupan en los cines, la prensa, los festivales y otros espacios de legitimación, se convierte para ellos en una zona auspiciosa de subjetividad, juego y experimentación permanente.

Sus límites son su alimento. Las dificultades y precariedades técnicas no son nunca un impedimento, sino más que nada un nuevo impulso, un desafío a superar. El secreto de su fuerza –y otro de sus puntos comunes- es intentar vencer siempre cualquier tipo de imposibilidad. Y no sólo vencerla, sino convertirla en una posibilidad creativa más, en un instrumento narrativo potente, efectivo y novedoso.

Los códigos y recetas de la narración convencional desaparecen, son trastocados o se diluyen en la investigación y el desarrollo de formas y posibilidades narrativas más íntimas e intuitivas, muchas veces signadas por el azar. Las historias, los actores, e incluso la realidad, dejan de ser la materia del cine, para abrirle la puerta al cine mismo, al celuloide, a su esencia pictórica, musical y fotográfica.

La manipulación e intervención del negativo y el material expuesto son una constante en muchos de estos autores, cuya vocación pareciera ser la revalorización de una forma más artesanal y poética de entender el cine.

Las posibilidades de intervención del cineasta en su obra son absolutas, tanto durante el rodaje (cuadro por cuadro, ralentis, aceleraciones, fueras de foco, combinaciones aleatorias entre zoom y tamaños de cuadro, sobreexposiciones), como en todas las demás instancias de la hechura cinematográfica.

En el proceso de revelado o en el uso posterior del positivo como lienzo -para pintarlo, rayarlo, agujerarlo o quemarlo-, en la escritura o reescritura que supone su edición o montaje, y en algunos casos específicos también en las posibilidades creativas –múltiples pantallas, loops, cambios de velocidad, desenfoques, sombras sobre la pantalla, etcétera- que existen en el momento mismo de la proyección.

Aunque no estén restringidos a ningún formato en particular, muchos de ellos se expresan a través de película reversible de paso reducido, tanto en 16 como en súper 8 milímetros, o por una cuestión de costos y accesibilidad o porque sus pequeñas cámaras les permiten trabajar de manera ágil y solitaria, pero también porque valoran y reivindican la textura única del grano fotográfico de la imagen,

Estas y otras características son compartidas por muchos realizadores argentinos que persisten y perseveran en la experimentación, más allá del alto, mediano o escaso reconocimiento que puedan obtener la fuerza y coherencia de sus obras.

Se trata de un movimiento de individualidades inclasificables, con escrituras diferentes y puntos de vista estéticos cercanos aunque nunca idénticos, que se vinculan entre ellos de manera lúdica, desinteresada, sin necesidad de un manifiesto u objetivo concreto, sino quizás con la única pretensión de colaborar y enriquecerse mutuamente.

Uno de ellos es Ernesto Baca.

Artesano del celuloide, director inquieto y prolífico, Baca concibe a su lugar en el cine como un acto de resistencia. Autor de cinco largos experimentales (“Cabeza de palo”, “Samoa”, “Música para astronautas”, “El sirviente” y “Vrindavana”, además del inconcluso “Ganges”), sus imágenes encierran una visión política y a la vez íntima y poética, entrelazada con una forma espiritual de entender la vida.

Muy influido por el hinduismo y la filosofía oriental, y por una sensibilidad experimental que le transmitió el realizador Claudio Caldini, Baca eligió una tendencia hacia la abstracción "que –según dijo- intenta rescatar imágenes cotidianas que podrían convertirse en umbrales hacia otros mundos si les prestáramos la suficiente atención".

El suyo es un cine donde, si bien existe, la trama es mínima o se diluye rápidamente en flujos de fotogramas manipulados desde el momento mismo de su concepción. Los temas son actuales y trascendentes, describen dramas humanos, sueños y visiones afiebradas, pero las historias que los evocan se van disolviendo en múltiples modos de representación subjetivos, inconexos y anárquicos.

El registro de imágenes y la posterior intervención del celuloide –donde su propia mano lo pinta, le pega sustancias, lo raya, lo dibuja o lo sella- revelan una predilección por la forma y una voluntad pictórica cercana al expresionismo abstracto.

Sus películas proponen viajes a otra dimensión, periplos sensoriales que conducen hacia una percepción lírica de lo real, una forma de superar los procesos de entendimiento acotados de la razón.

Es un cine ligado a sensaciones, que no responde a una codificación del lenguaje, sino que apunta a una comunicación más directa y apela a una participación más comprometida del espectador.

La dimensión temporal no se rige lineal ni cronológicamente. Los hechos no tienen un orden jerárquico, sino que responden a un tiempo fragmentado, donde la línea recta es reemplazada por una espiral. Es la lógica del cadáver exquisito, el collage y el rompecabezas, pero también la del enigma, el azar, lo incompleto y lo elíptico.

Arte Cinema

Aca hay una pequeña muestra del Workshop que di en Marzo del 2010 en el CIEVYC. La proyeccion consistia en ensayar intervenciones sobre diferentes formatos, super 8, 16mm y 35mm. A todos los que participaron, los chicos del taller, muchas gracias. Tambien la gente del Arte Cinema de Constitucion, Virginia Petrozzino y en especial a Rob Conlazo y Roni. 

SINFONIA INDUSTRIAL N2: MUSICA PARA ASTRONAUTAS

Tuvimos la suerte de poder juntar las partes para poner en escena, la primera puesta "WORK IN PROGRESS" de Sinfonía Industrial. Esta película que ya recorrió varios festivales del mundo como el VISION du REEL de Suiza, el PUNTO de VISTA de Pamplona en España, El CURTA8 en Curitiva de Brasil, entre los mas importantes, ahora manifiesta su primer exhibición en formato súper 8, en cine expandido. La experiencia del vivo parece darle otro carácter, parece ser otra película. Era importante para nosotros tener la posibilidad de exponerla a un pequeño público y ver lo que podría suceder, por la complejidad en su proyección, ya que hay muchos loops en sucesivos momentos que son ejecutados durante el transcurrir filmico. Así fue como se desarrollo este montaje en vivo durante la proyección, con la empalmadora y la cinta scotch retumbando como un instrumento mas de la banda de sonido industrial; según me decían está forma de laboratorio de montaje fue parte de la película, se veía mi figura como otra antena transmisora de lo que estaba sucediendo. Como un primer ensayo o una cruda improvisacíon, dando lugar a la experiencia sin previos ajustes  que no tuvimos oportunidad de afinar. De todas formas estas imperfecciones no fueron causa para que la película pudiera expandir toda su potencia. Ariel Chase y Marcelo Mamani compusieron al ritmo de la imagen una banda de sonido generada con elementos heterogéneos como radio grabadores, televisores, una antigua guitarra criolla ejecutada con el arco de un violín, el chirrido de un saxo apasionado, campanitas, timbales, cristales, motores y un alto voltaje de bombos y platillos. Cabe aclarar que esta versión es mas larga que la versión en vídeo, y tiene secuencias nuevas. ¿Tal véz una película sin fín?